Recunosc: nu am băut niciodată Karl Lagerfeld Kool-Aid. Nu am fost unul dintre acei critici (și au fost unii) care s-au strâns de piept, strigând „geniu!” și leșina după fiecare spectacol.
De multe ori m-am gândit că pentru fiecare piesă extraordinară creată de designerul pentru Chanel sau Fendi – când am început în modă, cariera lui la Chloé ajunsese la sfârșit – ar fi un alt costum sau rochie voluminoasă: nemăgulitoare, neglijentă, blândă de jenantă. Am găsit construcția decorului pe care a făcut-o pentru spectacolele sale Chanel în ultimii ani (supermarketurile, rachetele și aisbergurile din Grand Palais) nu doar o mișcare inteligentă în rețelele sociale (și a fost), ci de prea multe ori o afișare flagrantă a unui buget fără fund și sleight of hand pentru a distrage atenția de la ceea ce era pe pistă. Sigur, acel costum de tweed a făcut ca modelul acela să arate ca o adevărată gospodină, dar în schimb toată lumea se uita la pastele dublu C de pe raft la falsul megamart!
Biroul de presă Chanel mi-a vorbit odată pentru că nu am „înțeles” pe deplin viziunea lui Lagerfeld. Dar, așa cum am scris în necrologul designerului (a murit în 2019), în timp ce, fără îndoială, a schimbat afacerile din sector – marketingul, marca, însăși structura lui – datorită capacității sale de a face față unei case istorice precum Chanel și de a o reinventa. cu resturile propriilor coduri, nu credeam că s-a schimbat cu adevărat dulapuri. El nu a oferit lumii o nouă siluetă, sau o expresie a identității, așa cum a făcut însăși Coco Chanel, cu costumul buclé, sau Christian Dior, cu New Look, sau Saint Laurent, cu Le Smoking, costumul smoking pentru femei.
Totul înseamnă că atunci când am auzit că Muzeul Metropolitan de Artă își va dedica Institutul de Costume din 2023 lui Lagerfeld, am avut o reacție mixtă. Pe de o parte, avea sens: într-o carieră de 65 de ani, care a inclus 26 de ani la Chanel, 54 la Fendi, 25 la Chloé (în două perioade separate) și 35 la propriul său brand (de-a lungul anilor a jonglat cu mai multe locuri de muncă în aceeași perioadă), plus perioade la Patou și Balmain (pf), bărbatul a apărut ca un gigant pe scena modei moderne. Pe de altă parte, spectacolul a ridicat o mulțime de întrebări.
Stacheta este foarte mare pentru expozițiile personale, de obicei definite prin nume care au schimbat vocabularul vestimentației. Au fost doar 10 la Met în ultimii 50 de ani, inclusiv Balenciaga, Saint Laurent, Alexander McQueen și cel mai recent Rei Kawakubo de la Comme des Garçons. În general, Costume Institute s-a concentrat pe expoziții tematice, cum ar fi spectacolul de anul trecut despre moda americană sau „Camp” din 2019. Și chiar și dincolo de întrebările despre produsele reale ale lui Lagerfeld, au existat problemele declarațiilor sale publice, dintre care unele erau fatphobe, Islamofob, rasist și sexist, batjocorind pe toată lumea, de la Angela Merkel, fosta cancelar al Germaniei, până la cântăreața Adele.
Ar trebui într-adevăr să fie așezat pe un piedestal de muzeu, arta lui (dacă asta ar fi fost asta) separată de el însuși?
Un fel de răspuns poate fi găsit acum în „Karl Lagerfeld: A Line of Beauty”, care se deschide pe 5 mai în Galeriile Tisch ale muzeului. Este un argument bine editat, extrem de distractiv și în cele din urmă convingător din partea curatorului actoric al Institutului Costume, Andrew Bolton, că, atunci când dezlipiți controversa și mitologia, ceea ce rămâne este o expresie pură a unei mari imaginații tehnice combinate cu un curios. cultura omnivoră. Avantajul a 65 de ani de muncă care au produs peste 10.000 de articole de îmbrăcăminte (cel puțin acesta este numărul pe care Bolton a spus că a căutat-o pentru spectacol) este că, prin distilarea lor la puțin peste 200 de articole de îmbrăcăminte, Bolton este liber să se concentreze pe cele mai evocatoare. piese. Și aproape toate sunt, într-adevăr, orbitoare.
Dar, de asemenea, spectacolul nu reușește cu totul și în mod deliberat să abordeze complicațiile omului. Bolton recunoaște în introducerea în catalogul expoziției: „Nu am vrut să subliniem „Lagerfeld the man””, scrie el, ci mai degrabă „Lagerfeld the designer”; găsirea țesutului conjunctiv într-o carieră de 65 de ani care ar putea părea adesea desfrânată la extrem: zburând aici, acolo și peste tot; reticent să se angajeze. Într-un interviu din această săptămână, curatorul a detaliat poziția sa, afirmând că a dorit să lase judecăți asupra personajului istoricilor și biografilor. Cu toate acestea, bărbatul Lagerfeld este și fantoma din mașina de spectacol: imposibil de ignorat.
Într-adevăr, conceptul în jurul căruia se construiește expoziția în sine – o narațiune a dualității – implică paradoxul din centrul poveștii lui Lagerfeld: el a fost un bărbat care a iubit și a creat lucruri frumoase, în timp ce uneori exprima cu bucurie urâțenia.
Dacă nu este oficial o retrospectivă – Lagerfeld îi ura, spunând că nimeni nu vrea să „se uite la o grămadă de haine vechi” – spectacolul este mai degrabă un eseu despre haine, bazat pe un principiu de organizare derivat din artistul și scriitorul din secolul al XVIII-lea. Cartea lui William Hogarth din 1753 „The Analysis of Beauty”, cu îndrăgita curbă serpentină a autorului, sau „linia frumuseții”, semnificând vivacitatea și varietatea, juxtapusă cu linia dreaptă, pe care Lagerfeld o aprecia, de asemenea, ca forțe de duel în estetica sa. („Linia frumuseții” este, de asemenea, așa cum se întâmplă, un roman câștigător al premiului Booker din 2004 al scriitorului britanic Alan Hollinghurst despre viața homosexuală, clasa și politica din Thatcher Marea Britanie, dar, deși Bolton a recunoscut că iubește cartea, el a spus că nimic de-a face cu expoziția.)
De acolo liniile și dualitățile proliferează în nouă grupări diferite: liniile masculin/feminin lasă loc influențelor romantice/militare, care fac loc rococo/clasic, care la rândul lor duc la istoric/futurist și așa mai departe. Există atât de multe linii care pot fi dificil de urmat; Bolton are tendința de a-și exagera tezele, poate pentru a justifica locul modei în muzeu. În cele din urmă, le puteți ignora pe toate și vă puteți bucura de spectacol doar ca o sărbătoare vizuală.
Ideea de linie se dovedește foarte utilă pentru a oferi un plan pentru designerul spectacolului, arhitectul Tadao Ando (care a fost odată însărcinat să creeze o casă pentru Lagerfeld care nu a fost niciodată construită). Spațiul este alcătuit din multiple galerii care se ondula și se curbează în jurul lor cu mici deschideri prin care se pot întrezări alte galerii, pentru a permite o privire în viitor sau trecut. Efectul este ușor dezorientator într-un sens bun, ceea ce face ușor să te pierzi pe câmpurile din Lagerfeldiana.
Și ce domenii sunt? Două costume mici Chanel din tweed par să se vaporizeze în ceață la tiv. O haină Fendi în formă de ou este alcătuită din mii de plăci minuscule de mozaic din nurcă viu colorate, ca un tablou puntilist; altul, mitraliat de umbrele stratificate făcute din straturi de tul mototolit care arată exact ca blana. Lagerfeld putea vedea posibilități în material care altfel părea de neconceput; a inventat paiete din beton și lemn.
Există rochii Chloé cu imprimeuri în stil Sonia Delaunay și draperii grecești trompe l’oeil. O redingotă Chanel este croită nu în față, ci în spate, pentru a scoate la iveală volanele irizate. Aproape că nu există logo-uri la vedere (un joc distractiv este: ghiciți ce aspect se potrivește cu ce marcă; toți cei patru angajatori principali ai ei au fost sponsori de spectacole), așa cum există puțin din jocul kitsch cu iconografia mărcii care a ajutat la crearea Chanel. o parte a culturii pop – mănușile de box și bikinii dublu C – și care a fost imitată pe scară largă de alte mărci. Dar există mormane de pene și rozete înflorite făcute din dantelă și armuri strălucitoare cu paiete care zboară de-a lungul veacurilor și camerelor de zi.
Pe tot parcursul, o singură formă apare din nou și din nou: jacheta ciupită doar puțin de coloana vertebrală, apoi omoplații se rostogolesc în sus și înapoi, ridicând astfel armura, cu linia curbată în jos deasupra taliei. Bolton o numește „forma Schlemmer”, după un tablou lui Oskar Schlemmer, „Scările Bauhaus” din 1932 (perioada interbelică din Germania a fost unul dintre polii gravitaționali ai lui Lagerfeld).
La fel și schițele care au fost principalul mijloc de comunicare al lui Lagerfeld și sunt afișate cu hainele ca o poveste de origine. Designerul a livrat aceste desene, concepute rotund (s-a gândit nu numai din față, ci din spate) șefilor studiourilor sale, pentru a fi „citite” ca propriul său limbaj privat. Modul în care a funcționat este însuflețit de un grup de videoclipuri captivante create de documentarista Loïc Prigent, care sunt interviuri cu acele première d’ateliers – oamenii care au tradus schițele designerului – despre munca lor cu Lagerfeld. Ele emană umanitate, afecțiune și mândrie.
Videoclipurile se întâmplă să fie afișate în prima galerie a expoziției. Le alăturați după un hol de intrare cu un alt videoclip, acesta un prim-plan cu mâinile lui Lagerfeld schițând o rochie, de-a lungul unui perete; în fundul sălii, ca un semn de punctuație, se află o reconstrucție a biroului Chanel al lui Lagerfeld, plin de cărți și hârtii (fiecare articol ales de Bolton pentru a reprezenta amploarea diferitelor obsesii ale lui Lagerfeld, de la Aubrey Beardsley la Diet Coke). Lângă birou sunt o pereche de pantofi negri ai designerului, goli pe podea. Acest videoclip de deschidere și biroul oglindesc închiderea expoziției: un alt videoclip cu mâinile lui Lagerfeld, desenând – de data aceasta nu haine, ci el însuși. Colțul răutăcios al acelei imagini este o serie de vitrine care afișează accesoriile semnăturii designerului: mănușile din piele neagră fără degete, ochelarii de soare negri și evantaiul, care erau artefacte ale personajului pe care și l-a construit pentru el însuși. Sau „caricatură”, cum o numea el.
Chiar înainte, totuși, există o mică elipsă a unei camere flancate de 80 de iPhone-uri plus unul în centru, toate încărcate cu același videoclip cu Lagerfeld râzând, plus câteva dintre cele mai faimoase citate ale sale: „Am un intestin care este mai puternic decât toate celelalte: instinctul de supraviețuire”; „Întotdeauna spun ceea ce gândesc și uneori chiar și ceea ce nu cred.” Niciuna dintre cele rele, desigur, deși ultima afirmație pare deosebit de semnificativă.
Este o oportunitate ratată. Căci, alegând să insereze haine printre reprezentările bărbatului, spectacolul sugerează de fapt că nu poți separa acel om, în toată realitatea lui dezordonată și incomodă, de alchimia artei sale — și nu ar trebui. Acea dezordine și disconfort fac parte din amestec; face parte din moștenire, așa cum este și pentru multe dintre figurile noastre cele mai formative. Dacă MET nu poate încuraja această conversație publică, ce instituție poate?
Lagerfeld a spus odată, într-un citat care este înscris deasupra intrării în expoziție, „Moda nu aparține unui muzeu”. Această expoziție este un caz glorios pe care hainele pe care le-a făcut cu adevărat îl fac. Dar și complicații și tensiune.
Karl Lagerfeld: o linie de frumusețe
din 5 mai până pe 16 iulie, Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, Manhattan; 212-535-7710; metmuseum.org.
Sursa: www.nytimes.com
